Forårsholdet

Autofiktion – giv din historie til andre

Linjen er for dig, der har en masse på hjerte, som du ønsker at formidle til andre. På linjen tager vi fat i dine personlige erindringer og fortællinger, omsætter dem til dramatiske tekster og senere til et teatralt udtryk, som vi stiller til skue på scenen. Dine personlige historier er spændende, men de bliver først for alvor interessante for andre, når de bearbejdes og gøres tilgængelige.

Vi arbejder med, hvordan dine individuelle erfaringer kan omdannes til noget alment menneskeligt, som andre kan spejle sig i, inspireres af og bruge kunstnerisk. Samtidig udforsker linjen teatrets grundlæggende virkemidler og muligheder. Du lærer skuespilfaget at kende; hvad det kræver at stå på en scene, hvad det kræver at sætte sig ind i en rolle og formidle dens tanker og liv og hvad der skal til for at give noget videre til et publikum.

Linjen er skabt for at give plads til den enkeltes udvikling, og forløbet afsluttes med en forestilling til den årlige teaterfestival, hvor de personlige fortællinger danner grundlag for en forestilling om mennesker, møder og mangfoldighed.

Hvad er autofiktion?

Ordet “autofiktion” er en blanding af “autobiografi” (en selvbiografi, altså fakta) og “fiktion”. Autofiktion er på en måde selvbiografisk, fordi dramatikeren bruger teksten til at fremstille sit eget liv og sin personlige udvikling, men autofiktion er også fiktion, fordi man bruger fiktionens virkemidler, fx dialog, spændingsopbygning og opdigtede scener. Dels for at gøre historien mere spændende, og dels for at forbinde den til andre mennesker.

Ansvarlige undervisere: Thomas Clausen Rønne

”Det enkelte menneske har så mange historier med sig. Historier der potentielt rummer en eksistentiel værdi. På NYS arbejder vi med udgangspunkt i de personlige fortællinger, og det er fantastisk at se overraskelsen og begejstringen hos eleverne, når de opdager, at deres egne historier også bliver væsentlige for andre. At vi via scenekunsten kan oversætte det personlige til noget fælles menneskeligt.”

Det musikalske ensemble – teater som holdsport.

Teater er en holdsport. Linjen her er for dig, der har øvet dig alene (lidt for) længe, og som trænger til at sætte dig selv, din stemme og din musikalitet i spil på et hold. I et ensemble. I møder ind som individer, men bliver gennem forløbet transformeret til en mangehovedet krop – gensidigt afhængige og hinandens tætteste allierede. Her bliver det tydeligt, at ingen nogensinde er alene i teatret. Det er en kollektiv kunstart, og det er den præmis, der arbejdes med på linjen. Der er fokus på, hvad det vil sige at fungere som et ensemble, hvordan I bevæger jer fra jeg til vi og på, hvilke gaver der ligger i at overgive sig til helheden i det fælles værk. Forløbet indeholder arbejde med tekst, sang og musikalsk fortolkning og afsluttes med en forestilling til den årlige teaterfestival, som spilles i Teatersalen med det fulde udtræk af scenografi, lys, lyd og kostumer.

Hvad er ensembleteater?

Ordet ensemble er fransk for ”sammen” eller ”helhed” og bruges typisk om en gruppe skuespillere ved et teater eller en trup skuespillere der over en længere periode udgør et kunstnerisk fællesskab baseret på en række fælles stil- og kunstprincipper. Ordet rummer også tit et ideal om et demokratisk fællesskab og passer på den måde perfekt til højskoletraditionens værdier.

Ansvarlig underviser: Susan A. Olsen 

”Ensemblearbejdet er kernen i alt fedt teater. I vores ensemble arbejder vi med skuespilfaget gennem det talte ord i et musikalsk univers. Gennem ensemblet oplever vi, at eleverne opdager fællesskabets kraft på en ny måde.  Vi rykker på vores fælles sprog, referencer, læring og grænser – men vi gør det sammen og med hinanden i hænderne – i kunstens tjeneste simpelthen”

Performance – kroppen som sted, sans og instrument:

Er du klar til kunstnerisk performance for fuld udblæsning? Linjen er for dig, som har mod på at udvikle din fysiske kapacitet og finde ud af, hvad du egentlig kan med din krop, og hvordan du kan bruge den som et kraftfuldt redskab til at skabe sanselig scenekunst.

På linjen arbejder du med bevægelse og kropsbaserede praksisser fra en bred vifte af discipliner og performative kontekster – herunder performancekunst, moderne dans og fysisk teater. Gennem dristige kreative former og ideer, vil du udvikle dine evner og udvide din opfattelse af dig selv og verden omkring dig. Du får mulighed for at opdage og styrke din unikke kreative stemme, samtidig med at du opbygger stærke samarbejdsevner ved at arbejde tæt sammen med andre performere og performance-skabere.

Uanset om du har erfaring med bevægelse eller performance, vil denne linje hjælpe dig med at udforske og udvide dine ideer og dine færdigheder, og du kan begynde din rejse mod at blive en endnu dygtigere og mere inspirerende performer. Også på denne linje kulminerer arbejdet i en forestilling på den årlige teaterfestival.

Hvad er performance?

Performancetraditionen handler om det sceniske nu; performernes handlinger optræder som regel sideordnet med objekter, video, musik eller tekst, og scenen kan være hvor som helst. I performance er der fokus på at udfordre publikums normer og skærpe sanserne og på at nedbryde skellet mellem liv og kunst.

Ansvarlig underviser: Rob Hesp.

”What excites me most about this course is that it really feels like an opening. A doorway or some kind of beginning. An opportunity to transform the way that you relate to yourself, to performance, art and the world around you. A place to dive in, explore, and test your limits. And the potential for growth that comes with that just feels huge” (Rob Hesp)

Performance – Heartland Festival 

Når linjeforløbet er veloverstået og teaterfestivalen er løbet af stablen, samles hele holdet for at arbejde med en fælles koreografisk performance, der vises på den lokale Heartland Festival.

Det er vigtigt for os at lave professionelle eksterne samarbejdsprojekter – og særligt at bidrage i det fynske, hvor vi bor. Siden 2018 har vi været en del af Heartland Festival, og det er en stor fornøjelse hvert år at bidrage til den poetiske og tværkunstneriske atmosfære på smukke Egeskov Slot.

Holdet performer med et site-show i det offentlige rum på pladsen ad nogle omgange i løbet af weekenden, og resten af tiden deltager vi i festivalen på linje med alle de andre gæster. Så det er også en gylden mulighed for at se fede koncerter sammen, høre spændende talks, hænge ud på campingområdet og møde nye, spændende mennesker. 

Værket udvikles af en ekstern koreograf og processen er en øvelse i, hvordan man kan formidle kunstnerisk uden for teaterrummet – som fællesskab.

Værket er ordløst og sansemættet, og det kræver mod og dedikation at gå i interaktion med en festivalcrowd, som ikke har forpligtet sig ved at købe billet til netop det, og som derfor reagerer mere umiddelbart og spontant på det, de oplever. Man giver folk noget at tænke over, man skaber visuel opmærksomhed og får træning i at give sig hen til et samlet udtryk, hvor man er afhængig af hinandens loyalitet og disciplin. 

Ansvarlige undervisere:

Hanne Klindt og en ekstern koreograf

Dogmeforestilling – Det Kongelige Teater 

Hvert semester kulminerer opholdet med en fantastisk dogmeforestilling. På Ryslinge Teaterhøjskole har vi en meget værdsat aftale med Det Kongelige Teater om at spille på Mellemgulvet eller Lille Scene to gange årligt.

For eleverne er det selvfølgelig helt fantastisk at få den mulighed – hvem drømmer ikke om det, hvis man går med en skuespiller i maven?

Vi spiller to gange, og publikum er familie, venner og andre interesserede. Herudover er der også stor tilslutning fra en masse tidligere elever, som jo alle har prøvet netop det, og som derfor ved, hvad det nuværende hold står med, og hvordan det føles i maven, før man går på gulvet. Salen er derfor fuld af kærlighed og opbakning, og oplevelsen er helt ekstraordinær. At skabe en tæt forbindelse mellem semestre og årgange er vigtig for os, og projektet på Det Kongelige Teater er med til at bakke op om den ambition.  

Når vi siger, det er en dogmeforestilling, betyder det, at der arbejdes struktureret ud fra nogle faste rammer. Holdet laver selv deres forestilling, og det er elever der instruerer, konsulteret af professionelle undervisere. Der er altid følgende dogmer og benspænd i projektet: 

• Der er overordnet tema, som er valgt af det foregående hold. 
• Der arbejdes ud fra et nyskrevet digt. 
• Der skal bruges bestemte rekvisitter.  
• Hver gruppe producerer 8 sceniske billeder. 
• Alle i gruppen er på scenen samtidig. 
• Der er 100 timer til opgaven. 

Optakten kalder vi ”brikker”. I et par uger opbygger vi et fælles sprog omkring den opgave, der ligger foran os, og vi bruger tid på at forstå samarbejdsprocessen, konceptet, parametrene der kommer i spil (rum, kostumer, lys og lydkoncepter etc.) Med fem dage til premieren får man sit hold, sit tema, sit digt og sine rekvisitter, og så er det ellers derudaf med 1000 km i timen.   

Tidligere elever beskriver projektet som: “fuldstændigt vildt”, “berusende”, “vanvittige døgn uden søvn” og “et adrenalin kick, der svarer til at rappelle ned fra et 10 etagers højt hus”. Den stemning, der er hos elevholdet, når vi efter forestillingen står med et glas champagne i hånden, helt lykkelige, lettede, stolte og trætte, kan ikke sammenlignes med noget andet.

Ansvarlige undervisere:

Hanne Klindt, Susan A. Olsen, Marco Grimnitz, Thomas Clausen Rønne og Mette Sandager